Biographies

Alejandra Aguilar Caballero (1989) est une artiste visuelle mexicaine basée à Oslo, Norvège. Sa pratique inclut le dessin, la gravure et l’installation, explorant la mémoire, l’identité, la nature et les récits du quotidien. Elle relie mythes, symboles et schémas sociaux pour créer des œuvres empreintes de mystère, d’espoir et de puissance. Diplômée de l’UNAM et de l’Académie nationale des arts d’Oslo, elle a reçu d’importantes bourses et distinctions. Son travail a été exposé dans des concours et expositions internationaux à travers l’Europe et les Amériques. Membre de plusieurs associations artistiques, elle poursuit ses projets et expositions solos.

Laura Bortoloni est une designer en communication visuelle, artiste et graveuse basée en Italie. Fondatrice d’Ida Studio en 2013, elle crée des identités visuelles et systèmes de communication pour l’industrie culturelle, remportant deux European Design Awards. Ancienne professeure aux universités de Ferrara et Udine, elle donne régulièrement des conférences en design et estampe. Elle explore la typographie traditionnelle avec le projet Tipolesine et le mokuhanga, notamment lors de la résidence Milab au Japon en 2023. Ses œuvres ont été exposées internationalement. Son travail intègre la transmédiation avec des projets tels que Print No Border.

Franck Calard est un historien de l’art et artiste visuel yéniche français, établi au Canada. Doctorant à l’Université de Montréal, il se spécialise dans le vitrail religieux québécois (1855-1930). Son parcours interdisciplinaire intègre aussi la littérature, la pédagogie, les sciences des religions et la mémoire culturelle yéniche. Auteur de publications scientifiques et de catalogues d’exposition, il a enseigné l’histoire de l’art et collaboré à divers projets muséaux. Son travail articule recherche académique, création artistique et engagement communautaire autour des questions de patrimoine, d’identité et de transmission.

Antoine Caron est un artiste-chercheur qui vit et travaille à Montréal (Tiohtià : ke/Mooniyang). Il est titulaire d’une maîtrise en arts visuels et médiatiques à l’Université du Québec à Montréal (UQAM) et d’un Baccalauréat en Studio Arts et en histoire de l’art à l’Université Concordia. Sa pratique sculpturale et en installation est largement influencée par son implication au centre d’artiste autogéré l’Atelier la Coulée, duquel il est membre-fondateur, ainsi que par le travail d’artistes conceptuels actifs et actives depuis les années 1960. Son travail artistique, ancré dans des propositions philosophiques matérialistes et politiques radicales, a été présenté à Montréal, notamment à la Fonderie Darling, ainsi que lors d’événements tenus par des centres d’artistes et par des organismes communautaires, à Paris, lors de la Nuit des idées 2021 et dans des revues spécialisées.

Susanna est une artiste et professeure associée à Curtin University, en Australie-Occidentale, où elle dirige la John Curtin Gallery. Ancienne doyenne de la recherche à la Faculté des humanités, elle est reconnue pour son engagement dans le soutien aux artistes et aux chercheurs. Lauréate de nombreux prix, dont le Linden Prize et le Burnie Print Prize, ses œuvres figurent dans des collections publiques prestigieuses comme la National Gallery Australia et l’Art Gallery of WA. Membre du Print Council of Australia, elle siège depuis plus de cinq ans au conseil d’administration de PICA.

Liz Chalfin est une artiste en estampe engagée dans des pratiques durables, inspirée par ses voyages et son intérêt pour l’environnement, la mémoire et les relations humaines. Ses œuvres figurent dans des collections prestigieuses, dont la New York Public Library et la Yale University Art Library. Fondatrice de Zea Mays Printmaking en 2000, elle promeut la gravure non toxique et soutient plus de 100 artistes avec des résidences et des formations. Elle donne des conférences sur la gravure écologique et a initié William Kentridge à des procédés plus sûrs en 2019.

Marianne développe une pratique multidisciplinaire axée sur la relation et l’exploration des matérialités contemporaines dans un monde en mutation. Diplômée de l’Université Concordia, elle a bénéficié du soutien du Conseil des arts de Montréal et de la Bourse Denis-Charland de l’Atelier Presse Papier. Elle a réalisé des résidences en Italie, au Québec et aux États-Unis, et ses œuvres ont été exposées à Montréal, Rimouski et Calgary. Ses créations figurent dans les collections de la Bibliothèque des archives nationale du Québec et du Musée des arts graphiques et des musiques actuelles en France. Engagée dans le partage des savoirs, elle anime des ateliers artistiques pour tous les publics. Elle vit et travaille à Tiohtià:ke/Mooniyang/Montréal.

Nick Christie est un artiste spécialisé dans l’estampe expérimentale. Son processus commence par un dessin automatique, qui est ensuite développé à travers une technique d’impression choisie, donnant ainsi du sens et du contexte à l’œuvre. Il utilise des procédés photosensibles tels que la sérigraphie à émulsion photographique, le cyanotype et la gravure photochimique, conférant à son travail des qualités liées à la lumière et à la transformation. Ses œuvres varient d’une petite gravure sur papier à du cyanotype sur verre. En combinant différentes techniques, il recherche des résultats inattendus. En 2017, il a fondé Incubate Printmaking, un atelier collaboratif qui est basé dans la communauté artistique dynamique de Ouseburn, Newcastle.

Mara Cozzolino, née à Turin, Italie, en 1975, est passionnée d'art depuis son enfance et réalise sa première gravure en relief à 11 ans. Après avoir expérimenté plusieurs techniques, elle découvre le Mokuhanga—la gravure japonaise sur bois à base d'eau—lors d'un voyage au Japon en 2011. Elle participe ensuite à une résidence artistique au Mokuhanga Innovation Laboratory et se consacre entièrement à cette technique. Membre du conseil de l'International Mokuhanga Association, elle contribue à l'organisation de conférences majeures. Ses œuvres sont exposées dans le monde entier. Elle vit à Avigliana, Italie, où elle crée et enseigne le Mokuhanga.

Corine est étudiante au Doctorat en recherche-création à l’École des médias de l’Université du Québec à Montréal (UQAM) où elle œuvre comme auxiliaire de recherche et monitrice en chambre noire. Elle est récipiendaire de la Bourse du Conseil de recherches en sciences humaines (CRSH) pour son travail de cocréation d'archives en art imprimé sur le thème de la solastalgie. Pour diffuser son travail elle fabrique des zines (Demi-mesure 2022, Planter un rosier (pour rester ici) 2024) et participe à des projets collectifs (Atlas Solastalgies créatrices). Ses images ont été exposées à L'imprimerie, centre d'artiste. Elle a une pratique de solargraphie et fait du développement photo argentique avec des plantes.

Passionnée par la fabrication de ses propres matières artistiques, Faustine Escoffier vient de recevoir le prix ART+Environnement du Conseil de la culture de l’Estrie. Lors de son baccalauréat en beaux-arts à l’université Bishop’s de Montréal, elle a conduit des recherches sur les papiers et les pigments végétaux pour l’estampe grâce au Fond de Recherche du Québec et à la Bourse Denis-Charland. Elle a continué ces recherches lors de résidences à Rurart et à l’Atelier Presse Papier. Elle a participé à plusieurs expositions collectives au musée des beaux-arts de Sherbrooke, La Biennale du lin à Grondines, à la Maison des arts et de la culture de Brompton et à Art Mûr à Montréal. Elle partage aussi ses connaissances régulièrement lors d’ateliers sur la gravure, la fabrication du papier et le livre d’artiste.

Grzegorz Gajos est un artiste visuel et enseignant diplômé de l’Académie des Beaux-Arts et du Design de Wroclaw en 1996. Il a étudié à la Hochschule für Bildende Künste de Braunschweig grâce à une bourse DAAD. Il a obtenu un doctorat en photographie en 2008 et une habilitation en arts plastiques en 2015. Professeur à l’Université d’Opole, il enseigne la photographie et le design graphique. Son travail, exposé dans près de 100 expositions en Pologne et à l’étranger, explore les enjeux sociaux, culturels et écologiques à travers la photographie documentaire et mise en scène.

Joscelyn Gardner, artiste barbadienne-canadienne et professeure d’art récemment retraitée de Fanshawe College, est fondatrice de Print London. Son travail en estampe et installation multimédia adopte une méthodologie féministe décoloniale, subvertissant les conventions picturales européennes des XVIIIedix-huitième et XIXedix-neuvième siècles. Elle a exposé dans les Caraïbes, aux États-Unis, au Canada et en Espagne, ainsi qu’en biennales et expositions collectives à travers le monde. Ses œuvres figurent dans des collections prestigieuses comme le Yale Center for British Art et le Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico. Lauréate de nombreux prix, elle a entre autres remporté le Grand Prix de la 7^eseptième édition de la Biennale Internationale d’Estampe Contemporaine de Trois-Rivières.

Melissa Haviland est une artiste spécialisée dans l’installation et la gravure, vivant et travaillant à Athens, Ohio. Elle a présenté plus de 30 expositions individuelles sur 20 ans et prépare actuellement des expositions au Mesa Contemporary Arts Museum et au Greenville Center for Creative Arts. Lauréate de plusieurs prix de l’Ohio Arts Council, elle a participé à diverses résidences artistiques aux États-Unis, en Inde et en Europe. Son travail est influencé par ses recherches et ses voyages dans des archives et sites industriels. Diplômée en arts visuels, elle explore la répétition et les motifs à travers la gravure et l’installation.

Catherine Hehir est une artiste irlandaise basée à Cork et doctorante à DJCAD Dundee. Sa pratique interdisciplinaire explore la gravure en intégrant collaboration, travail de terrain et matériaux naturels. Elle préserve le savoir traditionnel tout en réinventant des processus oubliés. Son travail sur les tourbières irlandaises revisite les récits historiques et les traditions. Elle a exposé à Cork Printmakers Gallery, Generator Dundee et la Royal Hibernian Academy. Lauréate de prix prestigieux, elle participe à des conférences internationales et collabore à des projets comme An Mhóin Mhór et State of Print. Enseignante à Crawford College, elle repousse les limites de l’estampe contemporaine.

Dr Bridget Hillebrand est une artiste interdisciplinaire basée à Naarm/Melbourne, Australie. Son doctorat à Monash University explore la relation entre la création d’images et l’expérience corporelle du lieu. Son travail inclut gravure, livres d’artiste, audio, vidéo et installations, intégrant art, science et conscience environnementale. Lauréate du 2021 Experimental Print Prize, elle a été nommée commissaire australienne du Ulsan International Print Festival en 2024. Son installation River a été exposée à Venise la même année. Ses œuvres figurent dans des collections majeures en Australie et à l’international, dont la National Gallery of Australia et l’Art Gallery of New South Wales.

Magdalena Hlawacz est une artiste visuelle et commissaire diplômée de l’Académie des Beaux-Arts et du Design de Wrocław, où elle a obtenu un doctorat en 2008 et une habilitation en 2015. Elle dirige l’atelier de gravure numérique et l’Institut des Arts Visuels à l’Université d’Opole. Son travail explore les relations entre les médias et les pratiques interdisciplinaires, avec un regard critique sur l’efficacité, le temps et les normes sociales liées au repos. Elle a exposé à l’international, notamment à la Biennale de Venise en 2015. Elle collabore avec artistes et chercheurs à travers des projets combinant gravure, photographie et installations.

Jill Ho-You est une artiste et éducatrice sino-canadienne de deuxième génération. Professeure agrégée en arts imprimés à l’Alberta University of the Arts (Mohkinstsis, Calgary), elle explore les liens entre le trauma, la mémoire corporelle et l’environnement à travers l’estampe, le bio-art et l’installation. Inspirée par les sciences de la Terre, les paysages industriels et l’architecture, son travail reflète l’anxiété face aux crises écologiques. Elle a présenté des expositions individuelles aux États-Unis et au Canada et participé à des événements internationaux comme l’International Print Triennale de Cracovie et l’International Triennial of Contemporary Graphic Arts en Russie.

Clare Humphries est une artiste australienne qui a vécu et travaillé à Melbourne, Londres et Sydney. Elle détient un baccalauréat en beaux-arts et un doctorat de l’Université RMIT. Actuellement professeure à RMIT University (Melbourne), elle a auparavant enseigné à la VCA (Université de Melbourne), au Royal College of Art (Londres), à Norwich University of the Arts (Royaume-Uni) et à la National Art School de Sydney. Son travail a été largement exposé en Australie et à l’international, et figure dans plus de 40 collections. En 2021, elle a cofondé le collectif Eso-Dia avec Dr Reneé Ugazio, visant à enrichir les modes d’engagement matérialistes, queer et écoféministes.

Raluca Iancu est professeure adjointe en arts visuels et gravure à l’Iowa State University. Elle détient une maîtrise en arts visuels de l’Université du Tennessee et un baccalauréat en gravure de la Nova Scotia College of Art and Design. Lauréate de plusieurs prix, ses recherches explorent la mémoire, la vulnérabilité et les catastrophes à travers la gravure, la performance et l’art comestible. Son travail a été exposé aux États-Unis, en Europe et en Asie. Elle a participé à plusieurs résidences artistiques, notamment en Espagne, au Canada, en Italie et au Japon.

Aleksandra Janik est une artiste visuelle, chercheuse et commissaire dont la pratique explore l’impression, la photographie et l’intermédia, cherchant à redéfinir ces disciplines. Diplômée Summa Cum Laude de l’Académie des Beaux-Arts et du Design de Wrocław en 1996, elle a obtenu un doctorat en 2004 et un professorat en 2021. Depuis 2010, elle dirige l'atelier d'impression numérique et expérimentale à Wrocław. Elle a été professeure invitée à l'Université des Arts de Tokyo en 2021–2022. Actuellement, elle dirige le département de gravure à l’Académie des Beaux-Arts d’Oslo. Son travail a été exposé à l'échelle mondiale, notamment à la Biennale de Venise en 2015.

Sirkku Ketola (née en 1973) est une artiste contemporaine spécialisée dans l’estampe, qui associe la sérigraphie à divers matériaux. Elle incarne une forme de « sauvage civilisée » : une créatrice qui oppose aux flux numériques la lenteur réfléchie du travail manuel, cherchant à comprendre le lien entre le rythme humain et la matière. Le temps, la répétition et le caractère sacré de la vie sont ses thèmes principaux. Ketola est diplômée d’un maîtise en arts plastiques de l’Université des arts d’Helsinki (Uniarts Helsinki), et elle a participé à de nombreux projets et expositions en Finlande et à l’international. Elle vit et travaille en Finlande, séjourne régulièrement en Belgique et, plus récemment, aussi au Bénin. Reconnue pour son expertise en sérigraphie, elle est souvent sollicitée pour enseigner et donner des conférences dans des académies d’art. Son œuvre A Body Called Paula a fait d’elle une artiste suivie à l’échelle internationale.

Emilie Kvist est une artiste interdisciplinaire passionnée par l’estampe, la sculpture et l’installation. Elle poursuit une maîtrise en arts visuels à l’Université Concordia à Tiohti:áke (Montréal), Canada. Titulaire d’un baccalauréat en histoire et en arts visuels de l’Université de la Fraser Valley, elle intègre une solide formation académique à sa pratique créative. Son travail explore les thèmes du temps, de la mémoire et de la perte, inspirés par ses expériences personnelles et professionnelles. Elle a initié plusieurs projets artistiques collectifs et fondé InkBlot, un échange national d’estampes. Son travail a été présenté au Canada et à l’international.

Patricia Langevin est une artiste multidisciplinaire émergente et membre de la Première Nation des Pekuakamiulnuatsh. Finissante au baccalauréat en arts visuels à l’UQTR, elle est récipiendaire de la Bourse Denis-Charland et de la Mention Silex 2025. Elle a exposé en duo avec Raphaëlle Langevin au Musée Ilnu de Mashteuiatsh (2023) et au Musée des Abénakis d’Odanak (2025). Son travail explore la transmission culturelle féminine à travers le verre soufflé, l’estampe, l’art textile et la photographie. Elle utilise la lumière et la réalité augmentée pour révéler des récits cachés sur les mémoires transgénérationnelles et intergénérationnelles.

Alexey Lazarev est un artiste multidisciplinaire basé à Montréal. Né à Saint-Pétersbourg (Russie), il vit et travaille à Montréal depuis 2012. Son approche artistique se situe à l’intersection du dessin, des arts imprimés et de la sculpture, explorant les thèmes de la mémoire, de la nostalgie, du langage, de l’appartenance et de l’identité. Diplômé avec distinction de l’Université Concordia et de l’University of Hertfordshire, il poursuit une maîtrise en arts visuels (arts imprimés) à Concordia, soutenu par des bourses du CRSH et du FRQ. Il a réalisé des résidences artistiques au Japon et en Allemagne et a exposé ses œuvres au Canada et à l’international. Membre du Milieux Institute for Arts, Culture & Technology, il y a mené des recherches sur la broderie et l’impression assistées par machine.

Ariane Lebeau est une artiste multidisciplinaire originaire de Lanaudière, résidant à Québec au Canada. Titulaire d’une maîtrise en arts de l’Université du Québec à Trois-Rivières (2023), elle explore la représentation du corps féminin dans la vidéo-performance comme espace de transgression et de réappropriation. Lauréate de plusieurs prix et bourses, elle a participé à des expositions collectives et résidences de création. Directrice artistique et éducative à L’Espace culturel du Quartier Saint-Nicolas, elle développe une pratique alliant nouveaux médias et formes traditionnelles. Son travail interroge le rapport au corps et au paysage, avec une approche féministe et écologique.

Professeure agrégée au département d’art et d’histoire de l’art de l’Université de Calgary, Heather Leier explore les phases de vie, les identités et les relations, en mettant l’accent sur la manière dont le traumatisme est vécu et intégré. À travers la gravure photo-mécanique, les livres d’artiste, les installations sculpturales et les projets curatoriaux, son travail révèle les expériences souvent invisibles du traumatisme dans les contextes publics et environnementaux. Son œuvre a été exposée au Canada et à l’international. Passionnée par les échanges d’estampes et le soin aux plantes, elle s’investit dans la création d’avenirs empreints de compassion et dans l’autonomisation des autres à travers l’enseignement, l’apprentissage et l’art du vivre ensemble.

Daniel Luedtke est un artiste interdisciplinaire basé à Tallahassee, en Floride. Son travail explore la façon dont la santé, la mortalité et le plaisir corporel sont quantifiés, catégorisés et évalués, en réponse à son expérience en tant que personne vivant avec le VIH et naviguant dans les industries de la santé, du bien-être et de l’assurance. Ces réflexions se traduisent par l’accent mis sur la matérialité des images imprimées et des informations dans ses installations et objets hybrides. Titulaire d’une maîtrise en arts imprimés de la School of the Art Institute of Chicago et d’un baccalauréat en musique de l'Augsburg University, il est professeur adjoint d’art à la Florida State University.

Laurel McKenzie est une artiste et chercheuse spécialisée dans les arts visuels et les médias mixtes. Son travail explore la représentation des femmes dans l’histoire de l’art et la culture populaire, en revisitant les stratégies féministes du passé pour renforcer leur impact aujourd’hui. Elle utilise l’image, le texte et les matériaux de manière parodique afin de réhabiliter des approches souvent dévalorisées du féminisme de la deuxième vague. Ancienne éducatrice en arts et administratrice bénévole, elle continue de promouvoir l’art imprimé à travers des expositions, du mentorat et diverses initiatives artistiques. Elle a exposé en Australie et à l’international.

La pratique de Carolyn McKenzie-Craig explore les systèmes de pouvoir et d’incarcération liés aux mythes méritocratiques du capitalisme, ainsi que les rituels sociaux implicites. Elle développe une approche matérielle singulière, à la fois politique et conceptuelle, pour créer des œuvres ambitieuses en photographie et en gravure, ancrées dans le corps.

Carolyn est titulaire d’un doctorat du Queensland College of Art (2018), où elle a également obtenu son diplôme de premier cycle avec mention très honorable (First-Class Honours, 2012). Elle enseigne actuellement à la National Art School (Sydney, territoire Gadigal), où elle occupe le poste de responsable du département de gravure. Elle est également directrice de la galerie contemporaine SYRUP à Marrickville, Sydney.

Nathan Meltz est un artiste qui explore l’influence omniprésente de la technologie à travers l’estampe, l’animation, la sculpture et la performance. Il a présenté des expositions individuelles à l’Atelier Presse Papier (Canada), GRIDSPACE (NYC) et Vincennes University (Indiana). Son travail a été exposé à l’international, notamment au Museum of Modern Art de Rio de Janeiro et au Jyväskylä Art Museum (Finlande). Lauréat de plusieurs prix, il a publié dans Art in Print et Printeresting. Professeur à Rensselaer Polytechnic Institute, il a fondé et dirige le Screenprint Biennial, qui a fêté ses 10 ans au Janet Turner Museum of Print.

Mitch Mitchell est un artiste interdisciplinaire basé à Montréal, dont la pratique explore les récits imprimés, l’éphémère et la matérialité. Professeur agrégé en médias imprimés à l’Université Concordia, il est aussi le créateur de Mitchell Press Works, fabriquant des presses artisanales. Son travail puise dans l’iconographie familiale et des récits globaux pour questionner le lien entre image imprimée et main-d’œuvre. Il a exposé à Montréal, New York, Toronto, Chicago, ainsi qu’en Russie, Allemagne, Irlande et Nouvelle-Zélande. Ses œuvres sont conservées dans de nombreuses collections internationales.

Stéphanie Nuckle est une artiste visuelle basée à Tiohtià:ke/Moonyiang/Montréal. Diplômée en arts visuels et médiatiques de l’UQAM (2015), elle développe une pratique pluridisciplinaire alliant performance, installation, dessin, photographie et arts imprimés. Son travail a été présenté dans de nombreuses expositions et résidences à travers le Canada. Engagée auprès de centres d’artistes, elle collabore à la création de livres d’artistes et d’événements performatifs. Elle enseigne la sérigraphie et le cyanotype à l’Imprimerie et à l’Atelier Circulaire. Son travail explore l’hybridation des techniques et des pratiques durables dans l’art imprimé contemporain.

Carinna Parraman est professeure de design, couleur et impression, ainsi que directrice du Centre de recherche sur l’impression. Artiste et graveuse, sa pratique explore les liens entre l’art et la science de l’impression couleur, la trame, la perception des couleurs et l’apparence des matériaux. Elle dirige un cycle de conférences intitulé « Des fondamentaux de la couleur aux applications dans le design et l’industrie ». Présidente de la conférence internationale IMPACT sur l’estampe et de la revue Impact Printmaking Journal, elle est membre du Colour Group GB et collabore avec divers acteurs issus de l’industrie, du patrimoine culturel, des galeries et des musées.

Ruth Pelzer-Montada, PhD, est artiste et enseignante en art contemporain et en théorie à la School of Art de l’Edinburgh College of Art, à l’Université d’Édimbourg. Elle a publié de nombreux articles et essais de catalogues sur l’estampe et l’art contemporain. Elle est également éditrice de l’anthologie Perspectives on Contemporary Printmaking. Critical Writing since 1986, publiée par Manchester University Press en 2018.

Matt Pitblado est diplômé de l’UQTR au baccalauréat en Arts Visuels profil arts plastiques (2024) et est actuellement étudiant au deuxième cycle à la maîtrise par cumul en pratique des arts. Ses œuvres ont été présentées dans quelques expositions collectives à travers la province. À l’automne 2024 il a participé à deux conférences données à l’Universidad Autonoma del Estado de Mexico, dans la ville de Toluca, au Mexique, dans le cadre du colloque « La corporalité comme médium de soulèvement ». Son travail porte sur les réalités LGBTQ+, qu’il tente de démystifier et mettre de l’avant de façon positive. Matt utilise beaucoup son propre corps transgenre dans ses oeuvres, racontant son vécu personnel à travers ce dernier. Il utilise divers médiums comme la peinture, la sérigraphie, la gravure et le dessin.

Pohanna Pyne Feinberg est artiste et pédagogue établie à Tiohtià:ke–Mooniyaang–Montréal. Sa pratique artistique est actuellement axée sur la découpe de papier et l’expérimentation de méthodes de préservation du patrimoine culturel. Ses intérêts en recherche-création incluent les collaborations co-créatives, la marche comme force pédagogique, et la décolonisation des récits historiques en art. Ses projets ont reçu le soutien du CRSH (Conseil de recherche en sciences humaines), du FQRSC (Fonds de recherche du Québec – Société et culture), de l’ECQ (Entente Canada Québec du Collège Dawson) et du Conseil des arts de Montréal. Ses œuvres et ses textes ont été exposés et publiés au Canada et à l’étranger. Elle est titulaire d’une maîtrise en histoire de l’art et d’un doctorat en didactique des arts, tous deux obtenus à l’Université Concordia.

Flor de Ceres Rabaçal est une artiste qui vit et travaille au Portugal. Son travail en gravure explore les thèmes de la violence, de l’atmosphère et de la nature à travers l’expérimentation des matériaux, des surfaces et de la chimie. Elle poursuit un doctorat en beaux-arts à la FBAUP/i2ADS et a coécrit des recherches sur la gravure, notamment A White Etching Ground for Drawing: An Argument for Rembrandt's Lost Ground. Elle a participé à des conférences et coécrit des manuels d’estampe. Son travail a été exposé à Lisbonne et figure dans plusieurs collections privées.

Amber Robles-Gordon est une artiste interdisciplinaire et commissaire d’exposition reconnue pour ses installations publiques et ses œuvres en techniques mixtes. Titulaire d’un MBA et d’un MFA en peinture, elle expose depuis plus de quinze ans aux États-Unis, en Europe, en Asie, et dans les Caraïbes. Son art a été présenté dans des foires internationales et dans des institutions telles que la Smithsonian, le Phillips Collection, et le Corcoran Gallery. Engagée dans des résidences et commissions prestigieuses, elle milite activement pour la communauté artistique de Washington, DC. Co-fondatrice de collectifs artistiques, elle crée un art politique et spirituel nourri par les mémoires ancestrales.

Jolanta Rudzka Habisiak est une artiste et professeure diplômée de l’Académie des Beaux-Arts Władysław Strzemiński de Łódź, où elle enseigne depuis 1985 et a obtenu le titre de professeure en 2005. Elle a été rectrice de l’Académie de 2012 à 2020 et a reçu en 2020 la Croix de chevalier de l’Ordre Polonia Restituta. Son travail se concentre sur l’art textile, la gravure et la peinture, et elle a participé à plus de 250 expositions collectives et organisé 45 expositions individuelles. Lauréate de nombreux prix, elle continue d’explorer les arts visuels à travers objets et installations.

Jennifer Scheuer est une artiste visuelle et graveuse basée à Lafayette, IN. Elle est professeure adjointe à la Rueff School of Design, Art and Performance de l’Université Purdue. Lauréate du DeHaan Artist of Distinction Award en 2022, décerné par le Indianapolis Arts Council, elle a participé à des résidences artistiques aux États-Unis, au Canada, en Pologne et en Allemagne. Titulaire d’une maîtrise en arts visuels (gravure) de l’Université du Tennessee à Knoxville, elle a également suivi le programme de formation de l’Institut Tamarind. Passionnée de sculpture sur papier et de livres d’artiste, elle explore actuellement la création de livres d’art et de boîtes, en s’appuyant sur des collections, des archives et des recherches.

Mary Sherwood Brock est peintre et graveuse, utilisant la gravure pour explorer des récits thématiques. En 1980, elle a fondé à Boston l’Artist Proof Cooperative Print Studio, un atelier expérimental qui a marqué le milieu de l’estampe en Nouvelle-Angleterre et en Afrique du Sud. Elle a reçu des bourses du SMFA Boston et du Mass Council, ainsi qu’un prix du NEA en 1985. Diplômée en peinture de l’UCLA en 1992, elle enseigne la gravure à Los Angeles. Commissaire d’expositions liées à l’impact du climat, elle développe des échanges artistiques tels que ImMigration Project et Paper Boats Project.

Elizabeth Sigalet est une artiste multidisciplinaire de Kamloops, en Colombie-Britannique, dont la pratique allie gravure, photographie et technologie. Forte d’une formation en ingénierie et en arts visuels, elle explore les thèmes de l’identité, du territoire et de l’éthique environnementale, abordant des enjeux comme le changement climatique et la gestion des ressources. Son travail fusionne gravure traditionnelle et techniques numériques, telles que l’IA, la découpe laser et Photoshop avancé, créant des récits stratifiés qui suscitent le dialogue. Présidente de la Kamloops PrintMakers Society et cofondatrice de Scholars Without Institutions, elle soutient les artistes régionaux à travers ateliers et résidences.

Dan Starling est un artiste interdisciplinaire travaillant avec les médias imprimés. Professeur adjoint au département d’histoire de l’art, arts visuels et théorie de l’Université de la Colombie-Britannique, il détient un Meisterschüler de la Städelschule à Francfort et a enseigné à Emily Carr University et NSCAD University. Il a présenté des expositions individuelles à la Burnaby Art Gallery (2022) et au Klondike Institute of Art & Culture (2021). Son travail explore la répétition, la séquence et la superposition d’images et de textes pour remettre en question les récits dominants et imaginer de nouvelles perspectives sociales et politiques.

À travers une pratique multidisciplinaire alliant image, installation et écriture, Yuki Kéké Tam explore les objets et rituels du quotidien, révélant leur pouvoir narratif et leur capacité à témoigner de la résilience. Son travail autofictif mêle autobiographie et fiction dans une démarche mémorielle. Utilisant l’impression, la peinture, la céramique et les livres d’artiste, elle joue avec la mise en scène et la réinterprétation. Fascinée par l’espace domestique, elle intègre talismans, jeux, plantes et nourriture. Son approche s’inscrit dans une tradition familiale de créativité et une vision engagée de l’art. Elle poursuit une maîtrise en arts visuels à l’Université Concordia.

Basée à Basel, en Suisse, Lucinda Tanner est une artiste et éducatrice culturelle australo-suisse avec 30 ans d’expérience en gravure artisanale. Enseignante expérimentée, elle a dirigé des projets créatifs et des formations pour les jeunes et les adultes dans divers contextes culturels. Elle a travaillé avec des communautés autochtones en Australie, enseigné en Chine et participé à de nombreux programmes d’intégration en Suisse. Passionnée par la communication interculturelle et la compréhension entre les cultures, elle détient un baccalauréat en design industriel de la RMIT University, à Melbourne.